Se você está no mundo da arte, está aqui por um motivo. Você acredita que os artistas têm uma perspectiva única para oferecer ao mundo; você acha que os museus são um tesouro de artefatos dos maiores esforços humanos.

Mas todos sabemos que o mundo da arte não oferece condições equitativas. Embora possa se considerar iluminada, a indústria da arte tende a reproduzir as mesmas desigualdades que vemos em qualquer outro campo.

Os ricos e poderosos comandam o show. Os aspirantes a colecionadores de arte são excluídos do mercado. O colonialismo lança uma longa sombra, com artistas de países anteriormente colonizados ainda apresentando desempenho inferior aos de seus colegas ocidentais em termos de mercado. As escolas de arte cobram propinas astronômicas e não oferecem ensino prático.

Essas são apenas algumas das muitas razões pelas quais artistas, revendedores, diretores de galerias e feiras e educadores de arte que pesquisamos disseram que o mundo da arte era injusto. (Para falar francamente, a maioria pediu para permanecer no anonimato.) Abaixo, reunimos as respostas.

1. Os vendedores lucram quando vendem obras em leilão e os artistas não (pelo menos na maioria dos Estados Unidos)

Este é um nervo cru há muito tempo.

O mundo da arte há muito debate se os artistas devem receber royalties quando os compradores lucram com a revenda de seu trabalho. Em 1973, Robert Rauschenberg empurrou Robert Scull depois que o magnata do táxi obteve um lucro enorme ao leiloar seu trabalho no Parke-Bernet da Sotheby's. Scull pagou apenas US $ 900 pelo Thaw (1958) no final da década de 1950; ele o desembolsou por US $ 85.000 em 1973. "Estou trabalhando duro para você obter esse lucro", disse Rauschenberg. (Existe um postscript, como o Art Market Monitor relatou, mas isso é outra história.)

As pessoas que se queixam dessa situação pediram um direito federal de revenda nos EUA, no qual os artistas receberiam uma porcentagem dos lucros. (Essas leis já estão registradas na Califórnia e em partes da Europa.) Eles dizem que escritores e outras pessoas criativas recebem royalties quando seu trabalho vende bem, então por que não deveriam?

2. Especuladores podem arruinar o mercado de um artista

Possivelmente ainda pior para os artistas e seus revendedores: se o trabalho deles for alto em leilão, ele poderá ter resultados desastrosos.

"Você não pode impedir que o trabalho de um artista de 34 anos seja leiloado e o preço suba para o alto", diz um revendedor. "Então, você não pode impedir que os preços caiam quando os especuladores seguem em frente. O céu proíbe que o artista faça um trabalho um pouco diferente, e as pessoas não o entendem e, portanto, não gostam.

"Ross Bleckner é um excelente exemplo", continua o revendedor. "Seu mercado principal está bom, mas seu trabalho não é comercializado a preços nem próximos dos de seus contemporâneos. Seu mercado subiu nos anos 80 e depois desabou no final da corrida de touros. ”

O leilão alto de Bleckner, alcançado em Christie em Nova York em 2006, é de US $ 192.000, e apenas cerca de uma dúzia de obras foram vendidas nos seis dígitos. Enquanto isso, o alto leilão de Eric Fischl é de US $ 1,9 milhão, estabelecido na mesma casa no mesmo ano; O recorde de David Salle é de US $ 795.000, estabelecido na Christie's London em 2017.

Para uma história mais recente, basta perguntar a algumas das estrelas do movimento Formalismo Zumbi, como Lucien Smith, Parker Ito e Ryan Sullivan, cujos preços e presença em leilão caíram e permaneceram baixos desde os dias inebriantes do início de 2010.

3. Você precisa de conexões familiares para progredir

Pode haver muitas pessoas de mente progressista no mundo da arte, mas se seus calcanhares estiverem gastos e seu casaco estiver desgastado, você poderá descobrir que certas portas estão fechadas para você.

"É supostamente tão democrático e aberto às pessoas, mas na realidade é clichê e elitista, por isso é impossível que muitas pessoas tenham acesso", disse um diretor da galeria. Ecoando seus sentimentos, seu chefe, o diretor da galeria, acrescentou: "Você nunca escapa realmente ao nível de status de seus pais, não é?" Você é quem são seus pais.

Acrescenta um artista-educador: “Conseguir um emprego no mundo da arte é muito mais fácil se você já é da classe dominante e tem conexões familiares, fala três idiomas e se sente à vontade para mandar subordinados, enquanto conversa educadamente com curadores, colecionadores e celebridades.

"É muito mais fácil ter sucesso em quase todas as funções, se você pode subsidiar sua própria participação, desde US $ 140.000 em mensalidades na Columbia até trabalhos de galeria que pagam US $ 30.000", diz o artista-educador.

4. A colonização lança uma sombra enorme

O mundo da arte é apenas uma parte de um sistema maior que prejudica populações que há muito são exploradas em escala global, aponta um fundador da feira de arte.

“Fundado em - e desempenhando um papel significativo em - estruturas coloniais, capitalistas e patriarcais, o mundo da arte sem dúvida favorece aqueles de determinadas demografias com redes influentes e riqueza financeira”, disse Touria El Glaoui, fundadora da 1-54 Contemporary African Art Justo.

“Qualquer pessoa sem esses privilégios enfrenta uma batalha injusta e íngreme por reconhecimento, oportunidades e estabilidade. 1-54 foi iniciado em resposta a essas disparidades, fornecendo uma plataforma muito merecida e atrasada para artistas da África e de sua diáspora. Embora as desigualdades no mundo da arte estejam lentamente sendo corroídas, elas precisam continuar sendo desafiadas e desmanteladas para criar um espaço que funcione para todos. ”

5. As escolas de arte fazem parte do problema

O ressentimento intergeracional está fervendo na academia de arte, assim como no resto do mundo.

"Os professores em tempo integral dos baby boomers não têm idéia de como são o mercado de trabalho ou a economia contemporânea e dão conselhos completamente inúteis que não têm base em nenhuma realidade que existe há pelo menos 25 anos", diz um artista-educador. "E eles ganham o dobro do corpo docente do milênio que realmente sabem o que está acontecendo social e culturalmente, mesmo que a geração do milênio esteja em uma dívida catastrófica".

E os únicos que não se endividam pela escola de arte, acrescenta um diretor da feira de arte, são os privilegiados, porque “as escolas de arte são tão caras que só atraem os filhos de famílias privilegiadas, que frequentavam escolas particulares, porque a arte-educação orçamentos em escolas públicas foram zerados. ”

Outro artista-educador vê um problema diferente: "O modelo básico para as escolas de arte é treinar 100 alunos, dos quais um artista empregará o outro 99".

6. Os museus também fazem parte do problema

Um dos desenvolvimentos mais significativos do mundo da arte este ano foi o protesto violento contra o co-presidente do conselho do Whitney Museum of American Art, Warren Kanders, dono de uma empresa que fabrica armas que foram usadas em manifestantes e requerentes de asilo. Enquanto aqueles que estão do lado de causas progressistas podem contar que, como vitória, para um artista, a própria dificuldade de derrubar Kanders destaca o enorme poder que esses ricos membros do conselho têm nessas instituições.

É injusto, diz o artista, que “foi preciso uma carta dos funcionários da Whitney, nove semanas de protestos organizados pela Decolonize This Place, uma carta assinada por mais de cem acadêmicos publicados pela Verso, ensaio da Artforum 'Teargas Biennial', nove artistas se retirando da Bienal de Whitney, numerosos artigos e uma ligação de Darren Walker, da Fundação Ford, para tirar uma [pessoa] do quadro do Museu Whitney. ”

Não é apenas o dinheiro de gás lacrimogêneo que financia as operações do museu. Os fundos da família Sackler, que extraíram riquezas inconcebíveis da crise dos opióides, há muito tempo apoiam museus em todo o país, embora protestos e ações judiciais estejam começando a convencer os diretores de museus a recusarem o dinheiro da Sackler e até a recolocar galerias com seu nome. Ativistas dizem que a influência da família representa apenas uma das maneiras pelas quais os bolsistas têm puxado a corda nos museus.

7. O mercado de arte é profundamente opaco

Embora seja exigido por lei no Estado de Nova York que os varejistas exibam os preços de seus produtos, quantas galerias de arte em Nova York oferecem realmente uma lista de preços? Pergunte na recepção e você normalmente fica com um frio na barriga.

Isso cria um equilíbrio de poder altamente assimétrico, favorecendo o revendedor em relação ao potencial comprador, diz um diretor da feira, especialmente se esse potencial comprador é novo o suficiente para o jogo de coleta de arte para não ter uma rede de amigos e colegas para ajudá-la a descobrir o que o os preços podem ser - e que preço é justo.

"Não há transparência nos preços do mercado primário nem na credibilidade curatorial para avaliar a nova arte", diz um diretor da feira. “Se eu sou colecionador e fui examinado por uma galeria e depois oferecido uma obra, recebo um preço da galeria, mas não entendo onde ela se encaixa no ecossistema dos colegas dos artistas e não não sabe quais eram os preços no show anterior do artista ou quais serão no show seguinte. Não sei o que está rolando no oleoduto curatorialmente, o que pode ser um marco na carreira desse artista.

“Essas assimetrias extremas levaram a uma falta de confiança no mercado e isso impediu muitos colecionadores de se comprometerem com novos artistas”, continua o diretor da feira. "Não é apenas o preço, mas o quadro geral. Se o mundo da arte fosse mais transparente, seria muito mais benéfico para os colecionadores. Eu acho que eles colecionariam uma maior diversidade de artistas. ”

8. As mulheres ainda não têm uma chance justa

A impressionante acusação das meninas gorilas do Metropolitan Museum of Art em 1989 (veja acima) ocorreu cerca de 18 anos após o ensaio pioneiro da historiadora de arte Linda Nochlin, em 1971, “Por que não houve grandes artistas mulheres?”. No artigo, Nochlin apontou a estrutura limites que impedem as mulheres de alcançar os mesmos sucessos que os homens.

Trinta anos após a pergunta indignada das meninas guerrilheiras, a situação não melhorou muito.

Os números contam uma história sombria: de acordo com um relatório recente da Artnet News e In Other Words, dos quase US $ 200 bilhões gastos em arte em leilão desde 2008, apenas US $ 4 bilhões, ou 2%, foram gastos em obras de mulheres artistas. Embora as galerias possam se sair melhor em termos de promoção de mulheres, suas listas ainda ficam dramaticamente aquém da paridade: "Uma proporção de 65:35 se repete uma e outra vez - ainda é quase o dobro de homens que mulheres", diz Micol Hebron, que estudou os dados por anos.

Outra parte do mesmo estudo dedicado aos museus descobriu que apenas 11% das aquisições e 14% das exposições em 26 importantes museus americanos foram dedicadas a mulheres artistas.

"As meninas guerrilheiras", disse um artista, "talvez nunca consigam se aposentar".

9. Parece não haver razões claras para a maneira como tudo funciona

"Por que existe apenas um artista negro de cada vez?", Perguntou um artista negro de 40 anos.

"Por que, embora os artistas performáticos sejam realmente gostosos quando jovens, depois disso, ninguém sabe quem eles são por 20 ou 30 anos? Por que é que, se as jovens artistas estão fazendo um trabalho envolvendo seus corpos, todo mundo está presente quando são jovens, mas anos depois, eles dizem: 'Não acredito que ninguém tenha mostrado seu trabalho em 20 ou 30 anos'? Por que os museus agem como se os artistas pagantes fossem uma reflexão tardia ou até lutassem para não pagar artistas, quando os artistas são a base das instituições? Por que os museus estão sempre "desejando" que eles possam pagar por seu trabalho? O mercado quer que os artistas façam a mesma coisa repetidamente. "Você deve ser realmente expressivo, da mesma maneira ... por 20 anos!"

Fonte:https://news.artnet.com/art-world/9-reasons-art-world-is-unfair-1726653