"Influente" é um termo difícil. Implica história, alcance e efeito estratificados. No século 20, os artistas latino-americanos não eram, na maioria das vezes, incluídos em relatos dominantes da história da arte.
(Por:Alex Santana)
Parece que as importantes contribuições de artistas da América Latina são desviados para um silo desatualizado de conhecimento "especializado" Por que as correntes da história de certas regiões são deixadas de fora da bolsa de estudos convencional e deixadas de lado para a periferia?
Esta lista de artistas revela que muitos dos artistas inovadores e influentes da América Latina no século XX não estavam ligados à região, mas, de fato, incrivelmente globais. Eles viajaram para a Europa, América do Norte e, em alguns casos, países africanos. Muitos dos artistas desta lista posicionaram seu trabalho em relação aos desenvolvimentos da vanguarda européia: talvez seja essa conexão com a Europa que os concretize como “mais influentes”? O que esta lista indica é que as narrativas artísticas do século XX reconheceram certos artistas como "influentes" por causa de suas respectivas proximidades do norte global.
Nesta lista, estou muito animado em compartilhar os artistas que moldaram suas próprias esferas de influência - independentemente das tendências emergentes na Europa e na América do Norte - que talvez sejam menos conhecidas no cânone. Isso inclui figuras importantes como Luz Donoso, Feliciano Centurión e Clemencia Lucena. Esta lista não é exaustiva de forma alguma. Inclui apenas artistas que não estão mais vivendo e apenas aqueles que nasceram na América Latina e no Caribe. (A exceção é Rafael Tufiño, nascido em Nova York, mas sua inclusão foi uma tentativa de sinalizar como Porto Rico e sua diáspora geralmente se posicionam fora da América Latina e dos Estados Unidos.) Os 20 artistas inovadores destacados nesta lista influenciaram gerações de artistas, bem como estudiosos e curadores que abordam preconceitos históricos na história da arte.
Ana Mendieta
B. 1948, Havana, Cuba. D. 1985, New York City.
A prática multidisciplinar de Ana Mendieta questiona marcadores estáticos de identidade de gênero, expressão sexual e conexão da humanidade com a Terra. Aos 12 anos, Mendieta foi exilada de Cuba e enviada para viver nos Estados Unidos sob a Operação Pedro Pan - um movimento de massas de menores cubanos desacompanhados, muitos deles filhos de ameaças contra-revolucionárias ao regime de Castro. Mendieta passou parte de sua infância em um orfanato de Iowan e, eventualmente, seguiu uma educação em arte na Universidade de Iowa. Foi durante esse período inicial que Mendieta começou a usar seu próprio corpo através da performance. Sua prática multidisciplinar consistia em trabalhos de performance, fotografia e vídeo, abordando os complicados emaranhados entre corpos, a Terra e a morte. Em obras híbridas icônicas como as séries “Siluetas” (1973–80) e “Esculturas Rupestres”, Mendieta utilizou recortes, marcações e ausência para implicar o corpo e suas reverberações em paisagens naturais - especialmente corpos femininos, deusas e figuras matriarcais. Em sua visão de mundo - extraída das práticas espirituais indignas e afro-cubanas de sua terra natal, Cuba, bem como da experiência de deslocamento e diáspora - o nascimento e a morte começam com sangue, o fogo sustenta, mas também destrói, e a água corre rio abaixo, independentemente da intervenção humana . Mendieta morreu aos 36 anos em Nova York. Apesar dessa tragédia, seu trabalho continua a inspirar o público hoje.
Feliciano Centurión
B. 1962, San Ignacio de las Misiones, Paraguay. D. 1996, Buenos Aires, Argentina.
As obras têxteis de Feliciano Centurión dos anos 80 e 90 cimentam sua obra de arte no discurso gay global, enfatizando temas de amor, decadência, vulnerabilidade e compaixão. Sua família foi exilada para uma cidade na fronteira do Paraguai e Argentina. Devido ao governo repressivo de Alfredo Stroessner, seu pai atravessou a fronteira para trabalhar na Argentina. Centurión foi criado principalmente pelas mulheres de sua família enquanto amadurecia como homem gay em uma sociedade conservadora. No início dos anos 80, Centurión mudou-se para Buenos Aires, onde se tornou uma figura central no grupo Arte Light da cidade, que buscava combater as forças culturais opressivas da ditadura por meio de brincadeiras, prazer, humor e criatividade na arte. As obras de Centurión utilizavam materiais domésticos, como cobertores, travesseiros e outros tecidos encontrados, que ele bordava com frases poéticas e imagens gráficas, como animais e outras figuras iconográficas das tradições indígenas guaranis. Em 1992, Ceturión foi diagnosticado com HIV e, com a piora de sua doença, muitas das frases que ele incluiu em seus trabalhos tratavam dessa melancolia e da aceitação de sua própria mortalidade. O trabalho de Centurión incorpora um espírito de reconciliação honesta e terno durante a epidemia de Aids que devastou comunidades artísticas em todo o mundo. Centurión morreu de AIDS em 1996, aos 34 anos.
Jesús Rafael Soto
B. 1923, Ciudad Bolívar, Venezuela. D. 2005, Paris, France.
Jesús Rafael Soto é freqüentemente associado à cinética e à arte Op, desenvolvendo instalações imersivas que envolvem o público na participação e incentivam a dissolução entre forma e espaço. Em 1950, após concluir seus estudos em Caracas e servir como diretor da Escuela de Bellas Artes em Maracaibo, Venezuela, Soto se mudou para Paris. A Venezuela estava nos estágios iniciais de uma ditadura militar repressiva, e os círculos de vanguarda de Paris ofereciam uma promessa atraente de liberdade e inovação artística - em particular o cubismo. Soto começou a trabalhar ao lado de artistas como Jean Tinguely e Victor Vasarely, bem como com o movimento artístico do Novo Realismo. Em 1955, ele participou da exposição "Le Mouvement" na Galerie Denise René, em Paris, que estimulou o desenvolvimento da arte cinética globalmente. Muitos dos trabalhos de Soto desse período eram formas instáveis, desafiando a percepção do espectador sobre cor, linha, movimento e espaço. Foi no final dos anos 1950 que Soto se envolveu com o grupo de artistas Zero, abraçando idéias de mecanização e industrialização. Na última parte da vida de Soto, ele priorizou a desmaterialização da forma, sugerindo movimento e vibração através da participação do público. Ele talvez seja mais conhecido por seus "Penetrables", uma série de instalações esculturais imersivas que consistem em cortinas densas de fios pendurados, que os espectadores podem explorar com seus corpos.
Wifredo Lam
B. 1902, Sagua la Grande, Cuba. D. 1982, Paris, France.
Wifredo Lam foi um pintor que explorou estilos artísticos como o surrealismo e o cubismo em sua obra enquanto viajava pela Europa, além de temas relacionados à sua herança espiritual mista chinesa, europeia, indígena e afro-cubana. Em 1923, mudou-se para Madri para estudar com Fernando Alvarez de Sotomayor, pintor de retratos e professor de Salvador Dalí. Os primeiros trabalhos de Lam desse período são sombrios e agourentos, sugestivos de morte e guerra. No início dos anos 30, o trabalho de Lam refletia o surrealismo e, em 1938, ele viajou para Paris para estudar com Pablo Picasso. Ironicamente, o fascínio de Picasso pelas culturas ditas "primitivas" encorajou Lam a incorporar seu próprio background cultural caribenho em seu trabalho, embora com uma compreensão aguda das hierarquias culturais perpetuadas pela vanguarda européia. Após o retorno de Lam a Cuba durante a Segunda Guerra Mundial, ele declarou: “Meu retorno a Cuba significou, acima de tudo, um grande estímulo à minha imaginação.… Respondi sempre à presença de fatores que emanavam de nossa história e geografia, flores tropicais e a cultura negra. ”A famosa pintura de Lam, La Jungla (“ A Selva ”) (1943) combina formas cubistas com referências visuais à mitologia, cosmologia e Santería. Lam morreu em 1982. Um estudioso estético transcultural, justapondo estilos e influências de várias tradições globais, Lam é talvez o artista mais sincrético do século XX.
Luz Donoso
B. 1921, Santiago, Chile. D. 2008, Santiago.
Luz Donoso era um artista multidisciplinar, de mentalidade social, cujo trabalho permaneceu relativamente desconhecido. Na década de 1960, após seus estudos na Escuela de Bellas Artes, Universidade do Chile, Donoso se envolveu com um grupo de pintores murais que apoiavam Salvador Allende, do Partido Socialista, que se tornou presidente em 1970. Donoso acreditava no potencial revolucionário da arte quando situado em espaços públicos. Utilizando imagens gráficas, acessíveis e representativas, informadas por sua experiência em gravura, o trabalho de Donoso dirigiu-se diretamente ao público. Em 1973, após o golpe de Pinochet no Chile, Donoso foi demitido do ensino de artes gráficas na Universidade do Chile, provavelmente por suas crenças políticas de oposição. Ela co-fundou o Taller de Artes Visuales em Santiago, que produziu algumas das artes e críticas políticas mais inovadoras do Chile da década de 1970. A primeira e única exposição individual de Donoso foi em 1976, no Instituto Chileno Francés. Em 1978, ela desenvolveu Huincha sin fin ("Endless Band"), onde justapôs fotografias em preto e branco dos desaparecidos do Chile com a pergunta repetida "Onde eles estão?" - indicando diretamente as atrocidades do regime militar. Donoso contribuiu para o movimento de resistência artística no Chile nos anos 80, para o qual doou um arquivo fundamental de gravações de áudio, vídeos e fotografias de encontros de arte da época.
Tony Capellán
B. 1955, Tamboríl, Dominican Republic. D. 2017, Santo Domingo, Dominican Republic.
Tony Capellán investigou temas de destruição ambiental, escassez socioeconômica, legados do colonialismo e diáspora em seu trabalho. Capellán cresceu na região interior da República Dominicana, o que o levou a ser fascinado pelo grande impacto do oceano. Estudou pintura e gravura na Universidade Autônoma de Santo Domingo, bem como na Liga dos Estudantes de Artes da cidade de Nova York. No início dos anos 80, ele começou a trabalhar com materiais encontrados em instalações esculturais. Pelo resto de sua carreira, Capellán transformou o oceano em seu objeto e em sua fonte de materiais. Ele coletou restos e lixo descartados de oceanos e outras vias navegáveis na República Dominicana. Em Mar Caribe (1996) e Mar Invadido (2015), Capellán usou lixo descartado para comunicar a história da região do Caribe e a destruição de ambientes naturais. Em seu trabalho, o oceano serviu de metáfora para os dramas entre seres humanos (escravidão, colonialismo, pobreza), bem como para os dramas entre seres humanos e a natureza (poluição, extinção de espécies e elevação do nível do mar). Na década de 1990, Capellán exibiu amplamente e continuou trabalhando até sua morte em 2017. A força do trabalho de Capellán estava em abordar as histórias sociopolíticas do Caribe, bem como as crescentes urgências ambientais das mudanças climáticas globais.
Frida Kahlo
B. 1907, Mexico City, Mexico. D. 1954, Mexico City.
Freqüentemente nomeada a artista mais influente do modernismo latino-americano, Frida Kahlo era uma pintora nascida no México cuja arte abordava temas de melancolia, doença, matriarcado, política revolucionária e beleza indígena, geralmente com uma tendência surrealista. Nascida em uma família rica em Coyoacán, na Cidade do México, Kahlo foi apresentada à arte desde cedo através da fotografia de seu pai. Embora seu pai fosse alemão e mãe de descendência indígena e espanhola, Kahlo priorizou e celebrou os valores culturais indígenas e os sistemas de crenças ao longo de sua vida. Nas décadas de 1920 e 1930, ela desenvolveu muitos trabalhos que afirmavam suas crenças de esquerda, incluindo o auto-retrato na fronteira entre o México e os Estados Unidos (1932) e My Dress Hangs There (1933), pinturas que criticam a história imperialista dos Estados Unidos e desejo capitalista de “progresso” industrializado. Kahlo também abordou sua dor de longa data devido a várias doenças que sofreu ao longo de sua vida, algumas devido a um acidente de ônibus que a deixou parcialmente imóvel. Uma das últimas pinturas de Kahlo antes de sua morte prematura em 1954 é intitulada Marxism Will Give Health to the Sick (1954), na qual ela descreveu seu próprio corpo vestindo uma de suas saias longas icônicas e um espartilho de couro. No fundo da pintura, a mão flutuante de Marx sufoca uma águia simbólica do imperialismo do tio Sam.
Victoria Santa Cruz
B. 1922, Lima, Peru. D. 2014, Lima.
Nascida em uma família de importantes intelectuais negros, Victoria Santa Cruz era uma coreógrafa, compositora, dramaturga e educadora afro-peruana. Grande parte de seu trabalho está fundamentada em suas raízes da cultura afro-peruana. Em 1958, Santa Cruz co-fundou a Cumanana, a primeira companhia de teatro negra do Peru. Muitas das peças e musicais que ela dirigiu durante esse período abordaram lacunas inexploradas na história nacional do Peru - em particular, narrativas esquecidas da escravidão. No início e meados da década de 1960, Santa Cruz viajou para Paris e estudou teatro e coreografia na Université du Théâtre des Nations e na École Supérieur des Études Chorégraphiques. Após seu retorno ao Peru em 1966, atuou como diretora do Teatro y Danzas Negras del Perú e do Conjunto Nacional de Folclore - viajando e se apresentando extensivamente por toda a região, além de Estados Unidos, Canadá e Europa. Foi nessa época que ela desenvolveu e executou seu poema mais conhecido, Me gritaron negra (1978), em que relatou momentos de preconceito racista que sofreu quando criança. A partir de 1982, atuou como professora na Universidade Carnegie Mellon, em Pittsburgh, onde permaneceria por 17 anos. Exames críticos do racismo e comemorações do orgulho negro permaneceram temas predominantes no trabalho de Santa Cruz durante a maior parte de sua vida.
Lygia Clark
B. 1920, Belo Horizonte, Brazil. D. 1988, Rio de Janeiro, Brazil.
Pioneira conceitual e figura líder do movimento neoconcreto do Brasil, a prática de Lygia Clark enfatizou experiências sensoriais e instalações participativas. Clark estudou pintura no Rio de Janeiro e em Paris, concentrando-se na abstração geométrica. Na década de 1960, ela desenvolveu sua série de “Proposições” - trabalhos experimentais abertos que dependiam da interação do público. Os "Bichos" de Clark ("Bichos") envolveram o espectador - exigindo que eles manipulassem o trabalho com as próprias mãos para ativá-lo. Clark propôs que os espectadores tenham flexibilidade suficiente para experimentar o trabalho como seu próprio gesto. Ela priorizou as infinitas possibilidades de interpretação do espectador. Em 1966, ela desenvolveu sua série de “Objetos sensoriais” (“objetos sensoriais”), usando itens prontos, como tubos, sacos de estopa, sacolas plásticas, pedras e especiarias. Na década de 1970, Clark continuou fazendo trabalhos que exploravam a psicanálise erótica, a dinâmica social e a consciência coletiva. Um trabalho que representa esses temas de maneira aguda é A casa é o corpo (instalação da casa), uma instalação que ela apresentou na Bienal de Veneza de 1968. Neste trabalho, o público foi encorajado a rastejar por um labirinto que sugere o sistema reprodutivo feminino - espelhando ações como penetração, ovulação, germinação e expulsão. O trabalho de Clark com os alunos focados na qualidade terapêutica da arte, examinando as possibilidades de cura através da brincadeira. Até o fim de sua vida, o trabalho de Clark envolvia os participantes em experimentos sensoriais e relacionais ativos.
Antonio Berni
B. 1905, Rosario, Argentina. D. 1981, Buenos Aires, Argentina.
Ilustrando as realidades da vida na miséria das vilas da Argentina, Antonio Berni criou retratos representativos da pobreza, muitas vezes usando materiais descartados e prontos em seu trabalho. Berni nasceu e foi criado por imigrantes italianos e pôde estudar pintura. Em 1925, ele viajou para a Europa e se envolveu com os círculos de vanguarda surrealistas. Ele desenvolveu um interesse nos ideais e convicções do marxismo. Ao retornar à Argentina em 1932, ingressou no grupo do muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Berni começou a desenvolver seus próprios trabalhos através das lentes do "novo realismo", ou pela crença de que a arte deveria refletir com sinceridade as realidades sociais das classes trabalhadoras. Na época, a Argentina estava passando por uma terrível crise econômica que piorava as condições de vida dos mais marginalizados do país. As pinturas representativas e de larga escala de Berni destacaram a diversidade da visão "pan-americana". Na década de 1950, Berni deu uma guinada definitiva em sua prática e começou a fazer assembléias, reaproveitando lixo e descartando objetos. Na década de 1960, ele havia desenvolvido dois personagens fictícios que seriam os temas de seu trabalho até sua morte em 1981. Nomeados Juanito Laguna e Ramona Montiel - Laguna, um garoto pobre de uma villa miseria, e Montiel, uma trabalhadora do sexo - são os mais significativos de Berni. saída, e são talvez o seu trabalho mais conhecido.
Tunga
B. 1952, Palmares, Brazil. D. 2016, Rio de Janeiro, Brazil.
Conhecido por obras que sugerem carne humana, funções corporais e espiritualidade, a prática de Tunga abrangeu escultura, instalação, performance, vídeo e poesia. Tunga estudou arquitetura na Universidade de Santa Úrsula, no Rio de Janeiro, mas se voltou para as artes visuais. Em 1974, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro realizou sua primeira exposição individual, intitulada “Museu da Masturbação Infantil”, justapondo elementos naturais como madeira, ferro, aço, algodão, cera e borracha , As obras esculturais de Tunga aludem a experiências universais no mundo natural. Na década de 1980, Tunga criou obras e instalações esculturais que imitam visualmente o cabelo humano - fios alisados presos em pentes, bem como longas tranças sinuosas feitas de materiais como cobre, chumbo e latão. Tunga desenvolveu performances surrealistas que ilustravam as conexões entre pessoas - em muitos casos, mulheres - e seus arredores. Esta produção incluiu uma de suas obras mais conhecidas, Xifópagas Capilares entre Nós (“Capilar Xiphopagus in Us”) (1984), onde duas jovens gêmeas são unidas por seus cabelos. Tunga mostrou seu trabalho no Louvre, em Paris, em 2005, com a monumental instalação suspensa À Luz do Deserto Mondes (“À luz dos dois mundos”).
Margarita Azurdia
B. 1931, Antigua, Guatemala. D. 1998, Guatemala City.
Margarita Azurdia fez trabalhos experimentais que exploraram ícones de gênero e mitologia durante a Guerra Civil da Guatemala (1960-1996). Azurdia começou sua carreira artística autodidata no início dos anos 1960, pintando abstrações geométricas em larga escala que eram emprestadas das tradições têxteis indígenas, como desenhos de hipileiros maias. Em 1968, ela criou uma série de esculturas minimalistas que incentivavam a participação do público, consistindo em estruturas de grande escala, cilíndricas e curvas, nas quais o público era convidado a deitar. Em 1970, Azurdia desenvolveu sua primeira instalação imersiva, intitulada Favor quitarse los zapatos ("Por favor, tire seus sapatos"). Em uma pequena sala escura, Azurdia colocou montes irregulares de areia molhada, convidando o público a atravessar o terreno sob os pés descalços. Azurdia continuou a experimentar e desenvolver obras de performance, poesia e esculturas incorporando mitos religiosos híbridos e de ficção, incluindo Homenaje a Guatemala (1971-1974). Ela viajou para Paris em 1974, onde residiu até 1982 e trabalhou ao lado de outras artistas feministas. Ao retornar à Guatemala, Azurdia formou o grupo de desempenho experimental Laboratorio de Creatividad, enfatizando as conexões espirituais da humanidade com a Terra e todas as suas espécies. Azurdia morreu em 1998 e sua casa na Cidade da Guatemala foi convertida em museu.
Lily Garafulic
B. 1914, Antofagasta, Chile. D. 2012, Santiago, Chile.
Nascida em uma família de imigrantes croatas, Lily Garafulic é considerada um dos principais escultores abstratos do século XX no Chile. Depois de estudar artes visuais na Universidade do Chile, em 1938, Garafulic viajou para Paris, onde conheceu o escultor Constantin Brancusi, cujo trabalho permaneceria uma influência vitalícia em sua prática. Seus primeiros trabalhos esculturais eram abstratos, mas aludiam às formas orgânicas do corpo humano. Guiados pelo interesse em pureza formal, Garafulic usou materiais como mármore, bronze e terracota. Em 1944, Garafulic recebeu uma bolsa Guggenheim e viajou para a cidade de Nova York, onde estudou gravura no Atelier 17. de Stanley William Hayter. uma bolsa de viagem para estudar técnicas de mosaico na Europa. Em 1973, ela se tornou a primeira mulher a assumir o cargo de diretora do Museu Nacional de Belas Artes de Santiago. Nesse papel, ela implementou novos padrões de restauração e conservação no museu. Como muitas artistas femininas da América Latina no século XX, Garafulic equilibrou vários papéis simultaneamente: artista visual inovadora, educadora e administradora de artes públicas. Garafulic faleceu em 2012 em Santiago, Chile.
Rafael Tufiño
B. 1922, New York City. D. 2008, San Juan, Puerto Rico.
A prática interdisciplinar de Rafael Tufiño comemorou momentos cotidianos de trabalho, lazer e expressão cultural. Nascido na cidade de Nova York, mudou-se para Porto Rico aos 10 anos. Tufiño serviu na Segunda Guerra Mundial, que lhe concedeu o GI Bill, financiando seus estudos na Escola Nacional de Artes Plásticas da Cidade do México, onde estudou gravura e técnicas de mural. Durante a década de 1950, ele retornou a Porto Rico, tornando-se parte da Geração dos anos 50, um grupo focado no desenvolvimento de uma identidade e consciência cultural porto-riquenha moderna. Tufiño produziu várias obras encomendadas pelo governo porto-riquenho, especificamente cartazes destinados a promover a cultura e a saúde pública na ilha. Ele fez seu nome como gravador, ganhando o título de "Pintor do Povo". Em 1954, Tufiño recebeu uma bolsa de estudos Guggenheim e criou o portfólio de impressão "El Café", além de seu famoso mural La Plena (1952- 54), referindo-se ao gênero musical tradicional porto-riquenho. Fundou o Taller Boricua em 1970 e ajudou a formar o El Museo el Barrio no Harlem. Em 2003, o El Museo el Barrio realizou uma retrospectiva da obra de Tufiño. Nesse mesmo ano, o National Arts Club, em Nova York, entregou a ele um prêmio por toda a vida. Tufiño faleceu em 2008.
Clemencia Lucena
B. 1945, Bogotá, Colombia. D. 1983, Cali, Colombia.
Clemencia Lucena é conhecida por dois corpos de trabalho distintos: suas paródias feministas de mulheres em concursos de beleza e outros rituais de gênero, e suas pinturas representativas abertamente marxistas que ilustram a luta de classes. Seu trabalho inicial parodia concursos de beleza, concursos, casamentos e anúncios de debutantes - zombando das representações visuais de mulheres idealizadas nesses contextos. No início da década de 1970, Lucena se envolveu com o Movimento Independente Revolucionário (MOIR), e esse momento marcou uma mudança radical no assunto de seu trabalho. Lucena voltou-se para as questões da classe trabalhadora, adotando uma práxis marxista radical em sua política e realismo social em suas obras de arte. Muitas das obras de Lucena desse período podem ser lidas como propaganda política, incentivando a ação social em agricultores e outros membros da classe trabalhadora. Em 1975, Lucena publicou uma antologia de ensaios críticos, na qual condenou as raízes burguesas da arte colombiana e advogou por novas formas de arte antiimperialistas e enraizadas na consciência de classe revolucionária.
Joaquín Torres-García
B. 1874, Montevideo, Uruguay. D. 1949, Montevideo.
Ainda jovem, Joaquín Torres-García mudou-se do Uruguai para Mataró, na Espanha, e finalmente se estabeleceu em Barcelona, onde estudou na Escola de Nobres de Artes "La Llotja" e no Cercle Artístic de Sant Lluc. Torres-García envolveu-se com o movimento Noucentisme, adotando uma abordagem classicista em sua pintura. Na década de 1930, ele desenvolveu sua teoria do universalismo construtivo, a crença de que a arte deveria refletir pureza geométrica e conteúdo simbólico. Em 1930, junto com os artistas Piet Mondrian e Michel Seuphor, Torres-García fundou o movimento Cercle et Carré (que significa "Círculo e Praça"). Em 1934, Torres-García retornou ao Uruguai e abraçou totalmente o Universalismo Construtivo, combinando as grades estruturadas de abstração que ele vira na Europa com caracteres simbólicos que aludiam a sistemas de pensamento pré-colombianos. Ele começou a advogar por uma tradição artística latino-americana autônoma, independente da Europa, e em 1935 desenvolveu a Escuela del Sur ("Escola do Sul"), pedindo uma inversão da ordem e hierarquia política global entre o sul e o mundo norte. Em 1943, Torres-García ilustrou esse conceito na América Invertida (“América invertida”), um desenho que representa a América do Sul de cabeça para baixo, com a linha do equador como marcador visual. Torres-García é creditada com o estabelecimento de uma nova ordem política e estética na região, fundindo discursos transatlânticos.
Antonio Dias
B. 1944, Paraíba, Brazil. D. 2018, Rio de Janeiro, Brazil.
As obras de Antonio Dias se rebelaram contra a ditadura militar brasileira das décadas de 1960 a 1980. Quando criança, Dias aprendeu a ler quadrinhos, e seguiu o design gráfico quando jovem, inspirado no movimento Tropicália do Brasil. Após sua mudança para o Rio de Janeiro, na década de 1960, as telas de Dias utilizavam imagens gráficas ousadas, que alguns críticos e historiadores da arte argumentam serem influenciadas pelas correntes internacionais do pop. No entanto, em contraste com a estética pop comercial nos Estados Unidos, as obras de Dias frequentemente condenavam o regime militar no Brasil. Como figura de destaque no movimento Nova Figuração, Dias ultrapassou os limites da dissidência artística durante um período de forte repressão. Sua Nota sobre a morte imprevista (1965) contém imagens de uniformes militares, nuvens atômicas de cogumelos, máscaras de gás e caveiras humanas. Dias deixou o Brasil para a Europa quando a ditadura brasileira estava restringindo a censura e perseguindo artistas. Na Itália, Dias se envolveu com artistas do movimento Arte Povera e começou a fazer filmes e instalações. Em 1977, Dias viajou para o Nepal e a Índia, onde fez experiências com fabricação de papel e, nas décadas de 80 e 90, ensinou na Alemanha e na Áustria, apoiando-se na abstração em seu trabalho. Dias faleceu no ano passado no Rio de Janeiro aos 74 anos.
Rufino Tamayo
B. 1899 in Oaxaca, Mexico. D. 1991, Mexico City.
As pinturas abstratas de Rufino Tamayo fundiram a estética pré-colombiana com o modernismo europeu, especialmente o cubismo e o surrealismo. Nascido de pais descendentes de zapotecas, Tamayo ficou órfão em tenra idade e se mudou para a Cidade do México. Lá, ele estudou arte e acabou sendo nomeado designer-chefe do departamento de desenhos etnográficos do Museu Nacional de Arqueologia. Emprestando formas de objetos de cerâmica pré-colombianos na coleção do museu, muitas das primeiras pinturas e desenhos de Tamayo retratavam retratos representativos de mexicanos rurais. A partir da década de 1920, Tamayo viajou para Nova York, onde permaneceria por anos, inspirado na experimentação artística que ele acreditava estar sendo sufocada no México. As obras de Tamayo durante seu tempo em Nova York são marcadas por uma qualidade surrealista de sonho, que geralmente incorpora figuras humanas, frutas ou animais em telas vividamente saturadas. Em Animals (1941), dois cães ancoram a composição da pintura - em muitas mitologias maias e astecas, os cães acompanham os mortos na vida após a morte. Após a Segunda Guerra Mundial, as pinturas de Tamayo assumiram uma qualidade expressionista e gestual. Em 1957, ele se mudou para Paris, antes de retornar ao México até o fim de sua vida. Muitas das pinturas de Tamayo estão localizadas no Museo Rufino Tamayo, na Cidade do México, que foi fundado em 1981, 10 anos antes da morte do artista.
Tarsila do Amaral
B. 1886, São Paulo, Brazil. D. 1973, São Paulo.
Tarsila do Amaral foi uma pintora que desenvolveu uma linguagem visual única para imaginar um novo Brasil no século XX. Nascida em uma família de proprietários de plantações de café em São Paulo, do Amaral viajou para a França no início dos anos 20, onde estudou cubismo com pintores renomados como Fernand Léger e André Lhote. Enquanto viajava entre a Europa e o Brasil, ela desenvolveu seu estilo de pintura, combinando uma paleta de cores vivas, formas sensuais e imagens inspiradas nas populações indígenas e africanas do Brasil. A Negra (1923) mostra um retrato abstrato de um trabalhador na fazenda de sua família - uma mulher negra que teria nascido como escrava. Em 1928, a arte de Amaral foi a peça central do "Manifesto Antropófago", que pedia canibalismo cultural - incentivando uma forma de arte brasileira que comeu e digeriu diversas tradições artísticas e as transpôs para um novo contexto brasileiro. Em 1929, a família de Amaral perdeu sua fortuna e, em 1931, ela viajou para a União Soviética. Sua produção artística se concentrou no marxismo, na consciência de classe e nas lutas dos trabalhadores. Ela morreu em 1973 em São Paulo. No ano passado, sua exposição no Museu de Arte de São Paulo bateu recordes como o show mais bem assistido da história do museu. No início deste ano, o Museu de Arte Moderna de Nova York adquiriu A Lua (1928), uma importante pintura inicial de Amaral.
David Alfaro Siqueiros
B. 1896, Chihuahua City, Mexico. D. 1974, Cuernavaca, Mexico.
David Alfaro Siqueiros foi um dos três grandes pintores muralistas mexicanos do início do século XX. Ao longo de sua vida, Siqueiros manteve firmes crenças políticas que informavam todos os aspectos de sua prática artística. Embora ele tenha nascido em uma família rica, Siqueiros se envolveu nas ideologias da Revolução Mexicana. Ele liderou com sucesso as greves estudantis e acabou se juntando ao exército revolucionário. Siquieros pintou murais retratando luta de classes e conflitos. Após a guerra, em 1921, Siquieros viajou para a Europa, onde passou um tempo com Diego Rivera e se interessou pelo cubismo. Ele era um membro ativo do partido político comunista e co-fundou o jornal comunista El Machete no México. Nos anos 1930, Siqueiros viajou para os EUA, onde pintou vários murais ilustrando a tumultuada relação entre o México e os Estados Unidos. No centro de Los Angeles, Siqueiros pintou América Tropical (1932), que foi quase imediatamente pintada devido ao seu assunto controverso: um homem indígena crucificado sob uma águia americana. Siquieros permaneceu politicamente ativo durante toda a sua vida, viajando até a Espanha durante a Guerra Civil Espanhola para lutar ao lado dos republicanos. Ele é considerado o mais político dos três grandes muralistas mexicanos, devido à sua dedicação e compromisso com sua causa através da arte pública.
